Un concerto che attraversa oltre quarant’anni di musica contemporanea, mettendo in dialogo cinque compositori e altrettante diverse concezioni del suono, del gesto e della scrittura. Attraverso una compagine strumentale dalle possibilità timbriche a volte inattese, il Trio Catch esplora una materia sonora in continua trasformazione, tra risonanze, densità e diverse modalità di interazione tra gli strumenti.

Le composizioni in programma evidenziano come la scrittura per clarinetto, violoncello e pianoforte possa essere declinata secondo prospettive molto diverse tra loro: dal lavoro incentrato sul suono alla costruzione di strutture ritmiche e gestuali, dalla ricerca di nuove combinazioni timbriche al rapporto con forme e materiali del passato. Il percorso prende avvio con Chiffre IV di Wolfgang Rihm si arriva fino a lavori di recente composizione, tra cui una prima esecuzione assoluta di Pasquale Corrado e due prime esecuzioni italiane di Márton Illés e Matthias Kranebitter.

 

Wolfgang Rihm	Chiffre IV (1984)
(1952-2024)	per clarinetto basso, violoncello e pianoforte
Márton Illés	Four Watercolors** (2025)
(1975)	per clarinetto, violoncello e pianoforte
Pasquale Corrado	Nel mezzo di un passo* (2026)
(1979)	per clarinetto, violoncello e pianoforte
Matthias Kranebitter	whirl and pendulum** (2020)
(1980)	per clarinetto, clarinetto basso, violoncello e pianoforte
Michael Jarrell	Assonance III (1989)
(1958)	per clarinetto basso, violoncello e pianoforte

 

Trio Catch
Martin Adámek clarinetto, clarinetto basso
Eva Boesch violoncello
Sun-Young Nam pianoforte

 

*prima esecuzione assoluta
**prima esecuzione italiana

Chiffre IV
Chiffre IV fa parte di una serie di brani composti tra il 1982 e il 1985. Ciascuno di essi costituisce una parte autonoma di una sorta di work in progress, definito dal compositore «una suite di segni sonori, per lo più dai contorni netti, simili a geroglifici, caratteri cuneiformi, segni stranieri, ma appunto segni scritti all’interno del suono». Rihm ha sottolineato l’importanza della dimensione propriamente sonora della serie, precisando al tempo stesso il ruolo del pianoforte: «Scrivere nel suono, musica assoluta, senza storie. Il pianoforte è come uno strumento solista. È come l’attacco del pianoforte, nella misura in cui introduce la scrittura nel corpo sonoro e descrive lo spazio sonoro vuoto».
Chiffre IV, per clarinetto basso, violoncello e pianoforte, costituisce, già per il suo organico strumentale, un netto contrasto rispetto ai brani precedenti. Una nota del compositore specifica, tuttavia, che nell’esecuzione si dovrebbe cercare di attenuare tale contrasto: i musicisti dovrebbero immaginare di eseguire un brano per una piccola orchestra.
L’interazione fra i tre strumenti produce tuttavia una dimensione cameristica: il tempo è molto calmo, quasi languido; la musica riprende spesso il suo corso come se esplorasse con cautela suoni isolati, intervalli e successioni accordali; vi si inseriscono reminiscenze velate di suoni e di sonorità complesse, percepiti in modo più chiaro e distinto nei precedenti Chiffre.

Rudolf Frisius

Four Watercolors
«Márton Illés scrive una musica nella quale calcolo e rischio sono perfettamente bilanciati». Con queste parole Wolfgang Rihm esprimeva la propria ammirazione per il suo ex allievo e collega ungherese. A unirli era anche un’esplorazione quasi fisica dell’espressione musicale. Rihm diceva di sé: «Sono un compositore che compone con le terminazioni nervose e non soltanto con la matita». Qualcosa di simile vale per Márton Illés, che vive e lavora a Budapest. Per lui, il contatto diretto con gli strumenti costituisce una condizione necessaria per verificare la «reale resa sonora» della composizione. È da questo contatto diretto e tattile – non soltanto con corde e archi – che nascono gesti e forme sonore capaci di rivelare una propria autentica vita interiore al di là delle altezze rigorosamente determinate. Timbri e linee melodiche possono mescolarsi e interagire in modi inattesi, persino non intenzionali.
Questa modalità compositiva, che oltrepassa i confini della notazione musicale, emerge con particolare evidenza nella serie aperta di brani intitolata Aquarelle (Watercolors). I primi tre brani per clarinetto solo furono composti nel 2014. Seguirono altri tre rispettivamente per clarinetto, violino, violoncello e pianoforte (2017/2020), per fisarmonica, pianoforte e trio d’archi e per piccolo ensemble (2018/2020). Nel frattempo, Illés compose il concerto per clarinetto Re-Akvarell, che riprendeva il riferimento alla sua prima serie di Aquarelle.
Recentemente ha scritto Four Aquarelle per il Trio Catch, per il quale ha nuovamente esplorato e scoperto una tavolozza di suoni completamente nuova e affascinante, fatta di colori glissati e fluidi e di linee arpeggiate.

Trio Catch

Nel mezzo di un passo (dedicato al Trio Catch)
Questo Trio si configura come un’architettura sonora che rilegge la memoria barocca attraverso il filtro della mia personale ricerca sulla pulsazione come forza generativa e vitale. Il punto di partenza è la Passacaglia di Heinrich Ignaz Franz Biber, da cui ho mutuato il concetto di ripetizione per trasformarlo in un motore di “pulsazioni germinali” che agiscono come un accadere dinamico capace di dilatarsi o contrarsi in forme sempre nuove.
Il titolo, Nel mezzo di un passo, trae ispirazione da una suggestione di Samuel Beckett e riflette l'essenza stessa del pezzo: l’idea di un equilibrio instabile, di un movimento colto nel momento esatto della sua trasformazione. È il ritratto di un ritmo che si muove in un’andatura “sghemba” e irregolare, sospeso tra il rigore del basso ostinato e l’imprevedibilità del gesto contemporaneo.
In questa visione, la struttura di Biber viene scardinata e riassemblata e la stabilità della ripetizione coesiste con la fluidità di una contaminazione jazzistica e virtuosistica. Ho voluto imprimere alla partitura una fisicità quasi carnale, fatta di slanci energetici e momenti di serrato dialogo strumentale. Il risultato è un montaggio di timbri e tensioni che porta alla nascita di una nuova, unica pulsazione collettiva, capace di far evaporare il discorso musicale in un commiato finale che sia insieme memoria storica e slancio verso il futuro.

Pasquale Corrado

whirl & pendulum
Un brano, due pattern di movimento, tre musicisti. Vortici caotici, masse sonore che precipitano, correnti vorticose; pendoli statici, immobilità oscillanti, impulsi meccanici; accelerazioni e decelerazioni, crescita progressiva e brusche cesure improvvise.
Un brano musicale.

Matthias Kranebitter

Assonance III
Nella loro diversità, i primi tre brani della serie Assonance, composti tra il 1989 e il 1996, presentano numerose affinità e qualità che, peraltro, si ritrovano nell’intera produzione di Michael Jarrell. Ne fanno parte la predilezione per i tempi dilatati, nei quali viene elaborata e raffinata una materia sonora, un amalgama di ombra e luminosità; la trasformazione di questa materia fluida verso fasi più dense, in cui dispersione e rarefazione lasciano il posto al battito e all’agitazione; la sensualità delle curve sonore; la predominanza dei registri gravi e il rigoroso senso delle proporzioni.
È quanto avviene anche in Assonance III, appartenente a un’ampia serie che oggi comprende una decina di composizioni, o «quaderni», a partire dal brano originario per clarinetto solo, vincitore nel 1983 del concorso di composizione Acanthes di Parigi, fino al Concerto per clarinetto e orchestra (Assonance IX, 2000). Assonance III costituisce un esempio particolarmente significativo del modo di comporre di Jarrell e dell’equilibrio tra proprietà acustiche e sviluppo formale.
A partire da brevi cellule prolungate dalle risonanze naturali, mantenute da un sottile intreccio di trilli, suoni armonici, battimenti e giochi sulla materia sonora, la partitura si fa progressivamente più densa, alternando frasi cesellate e plateau più statici, fino a raggiungere, circa a due terzi del brano, il culmine di massima energia che precede il ritorno alla calma. A colpire l’ascoltatore sono il senso delle proporzioni e delle sfumature, la raffinatezza e la padronanza della scrittura strumentale e, infine, l’impressione di libertà unita a una straordinaria intensità espressiva che la partitura riesce a trasmettere.

Antoine Gindt

in collaborazione con Azienda Speciale Palaexpo e Fondazione Mattatoio - Città delle Arti

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